WallsTokyo

「香る頃」平丸陽子 Yoko Hiramaru
2021.10.1 fri - 11.6 sat

この度、WallsTokyoでは初めてとなる平丸陽子の個展を開催する運びとなりました。平丸陽子は、2002年東京造形大学の絵画科を卒業。抽象画のスタイルをとりながら、身の周りの出来事や日常の風景を描いています。



光や音、大気の匂い、樹木や草花の生長がもたらす季節の変化に気づいた瞬間、時空を超え、今どこにいるのかわからなくなる、そんな感覚に襲われることはないだろうか。自然の営みは、循環しながらも同じ瞬間が生成されることは二度とない繊細かつ絶妙なバランスの上にある。生活という現実の中で地球のもたらす自然の変化にふと気づいたとき、人は人智を超えた存在に触れる。創造主とも呼ばれるそれは、自身の存在をまるでヒントのように示唆するだけで全体を顕にすることはない。

平丸は、目にはっきりとは映らないが確かに存在しているものを描くアプローチとして抽象という表現方法を選んでいるのではないだろうか。アラベスク文様*がそうであるように。彼女がパターン(文様)を多用するのもおそらく、パターンこそ抽象形態を洗練させ、生命サイクルの表現を純化させたものだからであろう。

それはまるで言葉では語ることができない現象を絵画という形に乗せて、優雅な身振りで物語ろうとしているかのようだ。抽象画が形象の問題として捉えられることを超え、絵だけが語ることのできる「ことば」として立ち現れるとき、平丸の絵画は、その特別な言語がいかに豊かで実りあるものかを教えてくれるのだ。


*アラベスク模様
人物像を描くことを禁じているイスラム教は、アラベスクと呼ばれる幾何学文様によって自然の背後にある統一要素と永続性、秩序を表現するといわれる。


From October 1st Walls Tokyo will hold Yoko Hiramaru's solo exhibition for the first time. Yoko Hiramaru graduated from Tokyo Zokei University in 2002 with a degree in painting. Hiramaru’s abstract paints in an abstract style, depicting everyday scenes and events.



The moment you notice the light, the sounds, the smells of the air, and the seasonal changes brought about by the growth of plants, do you ever have that feeling of losing yourself and transcending time and space? In nature, no two moments are the same. When we suddenly notice the changes in nature brought about by the earth, that existence is beyond comprehension. Known also as the Creator, this being only hints at its existence, never fully revealing itself.

Hiramaru may have chosen abstraction as an approach to depict something that is not clearly visible to the eye but still exists. Just as the arabesque pattern* does. Perhaps the reason why she uses patterns they are a refined form of abstraction, a purified expression of the life cycle.

It is as if she is trying to tell the story of a phenomenon that cannot be described in the form of paintings. Hiramaru's paintings transcend the perception of abstraction and emerge as a "language" that only a painting can speak, a "language" that can describe the world.
Hiramaru's paintings show us how rich that special language can be.

*Arabesque pattern
Islam, which forbids the painting of human figures, is said to express the unifying element, permanence, and order behind nature through geometric patterns called arabesques.

ARCHIVE



水 - 土 12:00 - 18:00
6月19日(土)まで開催。


井上実(いのうえ・みのる)は1970年生まれ。美術大学の絵画科に入学し、のちに中退。以来、絵画を独自の手法で追求し続けています。

井上がモチーフとしているのは、主として道端に生えている雑草の類、昆虫といった普段の生活の中で気にも留めないようなもの。だからといって井上は、「小さきものへの関心」を描きたいわけでも「見向きもされないものを芸術作品に昇華」したいわけでもありません。おそらく、覗き込むという視線の向かい方こそが重要で、草や花や虫などはたまたまその場に居あわせただけの存在のように見えます。(ただし、井上は虫を観察することを好むし、モチーフにしたくなる雑草の重なりとそうでないものがあるらしい。)

絵画という二次元空間に現実世界を写し取るとき、目前にある空間を表現することには困難を伴います。目に映るものに対する絶え間ない取捨選択と抽象化が求められるからです。

人間の、起きた状態での自然な目線というのは水平に向かうものですが、この水平方向の視線で世界を捉えようとすると、その奥行きはどこまでも続き−−今、私の眼の前に見えるのは、机の端−−床や壁、椅子やテーブル−−窓枠−−道路−−フェンス−−木の葉の重なり−−木の幹−木の葉の向こうにちらちらと見える空−−、これらを平面という二次元に移し替えていく作業は、ほとんど不可能に思えます。しかしながら、上から床を覗き込むと視線は地面でぴたりと留まり、自ずと平面空間が立ち上がってくるのです。

20世紀以降の絵画の実験の場はこの三次元から二次元への落とし込みの中にあったのではないでしょうか。平面の中に三次元空間をイリュージョン的に再現するのではなく、三次元空間を平面的に捉え描くことは、「自己言及的な絵画」の追求へと駆り立て、この100年は豊かな絵画空間を生み出した実り多い絵画の世紀だったといえます。しかしながらこの美術家たちによる絵画におけるさまざまな試みは、同時に「目新しさ」が評価されることを許してしまった。そして遂には、「絵を描くこと自体もう古い」と自己崩壊の様相を呈してきます。
「モダン」から「ポストモダン」へ、「自己言及的な絵画」は平面上の問題から、意味と文脈、コンセプトを核心とするようになっていきます。

90年代に井上は、時代を意識し、思潮を取り込みながら制作を試みますが、すべて上手くいかなかったといいます。試みては突き返されることを繰り返し、2000年代に入るとついにはそのやり方を手放して、自分の意志や意図をできる限り排除するやり方へとシフトします。

道端で写真を撮り、それに従って絵の具をキャンバスに乗せていく。仕上がってから手直しをすることはありません。やり直しがないので、少しずつためらいがちに描いていき、小さなキャンバス作品でも仕上がりまでに時に数ヶ月かかることもあります。

自らをコントロールし表現するのではなく、あくまでも媒介者のような態度で対象を描いていく−−どこか後ろ向きで、制作という行為と矛盾するように思えますが、そのやり方は、人間中心主義から新たな唯物論へと向かう今現在の哲学の潮流と呼応しているともいえます。作為という不純物を取り除いた井上の絵画はまるで、純度の高いクリスタルのように永遠の安らぎと緊張感を併せ持つソリッドな美しさを放つのです。



2021 1/15 wed-2/13 sat
wed-sat 水-土 12:00-18:00
sun-tue 日-火 closed


この度WallsTokyoでは初となる、尾形純(おがた・じゅん)の個展を開催します。本展は「Coral Garden」と題し、石組みの庭に見立てて絵画作品を配置する会場構成で展開します。尾形はこれまで、季節や経年で変化する日本庭園の色彩をテーマに、古来より伝わる色とその色の生まれた背景を示唆する風景を抽象的に表現した作品を発表してきました。

長い時間をかけて移り変わる、無限の階調を持つ自然の色彩には、時に思わず目を疑うほどの鮮やかさを持つものがあります。その鮮やかさは、人工で作られた表面的な色とは異なり、下から湧き上がるように現れるものであり、生まれては消えてゆく生命サイクルの過程で見せる刹那的な色、気づいた瞬間に消え失せてしまう命の輝きのようにも見えます。

尾形の色彩に対する鋭い感受性は、おそらく、修復という表層を剥ぎ取り、本来の色彩を追求していく過程で体得したものではないでしょうか。隅々までコントロールされた平面空間を作り出すのではなく、『流れる水や土、空気に形がないように、絵画の表現もそのように容易に構築されない、しかし強く映える自然の景色のような「絵画のありよう」をもとめる』という言葉どおり、偶然性を引き込みながら意図する方向へ流していく行為の集積によって生み出される絵画はまるで、緊張と安らぎが並存する日本庭園のようです。

本展では、七宝の一つにも数えられる淡く放つ珊瑚色の作品を中心として、レッド「銀朱」、パープル「紅紫」、ディープブルー「紫紺」、グリーン「苔色」、ホワイト「秘色」といった多彩な色彩で石組みや滝を表現します。配置や混色のレイヤーによるさまざまな彩色が溢れる本展をぜひ、ご高覧ください。



2020 11/11 wed-12/12 sat
wed-sat   水-土   12:00-18:00
sun-tue   日-火   closed


柿崎は、小石川植物園や新宿御苑、井の頭公園といった、都心部の緑地帯に赴き、風景を描き写します。そこにあるのは、雄大な自然とは異なり、人間の管理下にある、いわば飼い慣らされた自然ですが、だからこそ安心して向かい合い、身を置くことができる穏やかで心地よい自然です。東京で生まれ育った柿崎にとって自然とはそのようなものであるのかもしれません。

柿崎の、厚塗りの油絵具によって描き出されるパノラミックな風景画は、粗いマチエールにもかかわらず、色味の変化を丁寧に捉えているために、対象が明確に浮かび上がって見えます。一見するとクラシカルな油画といった印象を受けますが、西洋の常套的な風景描写で使われる透視図法における中心点がありません。彼の描く静物画には、それがより顕著に現れています。並んだりんごと洋梨がキャンバスの端で切られており、画面内に心地よくモチーフが配置された西洋絵画を見慣れた目には少々不自然に映ります。彼はキャンバスの中に一つの視点を基にした風景をテクニカルに再現しようとしているのではなく、まるで全方向に向かって広がる世界をキャンバスの形に切り取っているかのようです。

自然とは、本質的に中心がなく、柿崎もまた、世界を中心無きものと捉えているのではないでしょうか。今世紀、中心無き世界へのシフトは加速するばかりです。特定の人物の号令のもと皆が動くのではなく、それぞれの個人が自らの意思を表明し、行動する。それを可能にしているのは言うまでもなくインターネットやSNSの普及であり、私たちはそういった世界を生きている。柿崎の2次元空間を目の前にすると、彼の描く自然は現代社会のメタファーなのではないかと思わずにはいられません。

本展は、ギャラリーの目の前にある小石川植物園をテーマにし、屋内に植物園を展開させるイメージで構成。新作を中心に約10点の作品が並びます。ぜひ、ご高覧ください。



2019.3.27 wed - 4.27 sat

この度、WALLS TOKYOでは、谷正也(たに・まさや)の個展を開催する運びとなりました。
本展のタイトルである「CHANNEL」は、作家自身の身の回りにある風景を複眼、多角的な視点により捉える事を示唆しています。

谷が描き出すのは、造花や公園といった人間が作り出した自然の代替物や、うねるような線、アウトライン、
増殖を繰り返すかのようなサイケデリックな抽象表現。ネオンカラーで描かれた、溢れんばかりに生い茂る樹や、我勝ちに咲く花。
それらは、過度な画像処理を施されたかのように、奇妙に人工的な風合いを帯びています。
近作の様々なイメージがパッチワーク状に交錯する画面は、
まるで私たちの日常となったスワイプする事で切り替わる目の前の風景のようでもあり、
氾濫するイメージをかき分けるようにして「リアル」を探し当てようとする行為そのもののようでもあります。

事実と虚構が複雑に絡み合う世界は、テクノロジーによってさらに不可分なものとなり、
人工的に作られた自然の「チープさ」と自然本来の持つ「崇高さ」の隔たりは消滅する。
このような視点は、谷自身が編集ソフトを駆使することで、その先にある絵画表現を意識してきたことと、無関係ではないでしょう。

田舎町は急速に過疎化が進み、かつては活気に溢れていた場所が朽ちていくという「現実」の中で、
手の中にあるガジェットは「今」を絶え間なく更新し続ける。
自然であれ、人工物であれ、変化し続け、制御不能な、強大な力を持っている。
そのことに気づいたとき、我々の目の前にふと目眩しのような風景が立ち上がってくるのではないでしょうか。

WALLS TOKYOで2回目の個展となる本展では、新作約15点を展示。新シリーズに加え、これまでに発表してきたシリーズも併せて展開します。



2017.3.17 fri - 4.22 sat

谷正也の作品は、画面全体に広がる無数の色彩が抽象的に描かれているように見えますが、
遠く離れて見てみると風景や植物、水辺などの景色が丹念に描かれているのが見えてきます。
緻密な画面は執念のような描写力ですが、不思議と心落ちつく作品です。

谷正也独自の描画方法により描かれた作品世界を、どうぞお楽しみくださいませ。



2017.11.23 thu - 12.16 sat

須惠朋子の作品は、岩絵具を用い海や空をモチーフとして描いています。
作品の特徴は、何といっても色彩の美しさです。日本画の岩絵具特有の美しさが際立っています。
岩絵具の美しさに惹かれて美術大学の日本画専攻を選んだというほどに、作家は岩絵具の美しさに惚れ込んでいます。
岩絵具は扱いが非常に難しく、美しい画面をつくりだすには技術と繊細な表現力が必要です。
20年余りをかけて習得した技術と、須惠朋子の繊細な感受性・表現力を持って、ひとつひとつの作品が描かれています。

作品の色彩の美しさは、写真などでは伝えきれないほどです。
様々な媒体があり、見せ方・伝え方が多様化している現在ではありますが、
作品の前に身を置いた時の感動や魅力・力強さを感じることができるのは絵画の大きな魅力であり特徴です。
須惠朋子の作品はまさに、絵画でしか表現の出来ない作品です。

はっとする程に美しい色彩の広がる須惠朋子の作品を、白山のギャラリーで ぜひご覧くださいませ。



2015.6.17 wed - 8.8 sat

草間彌生、奈良美智といった世界的に著名なアーティストから、最注目作家の代表格である松山智一、
NYの人気ギャラリーにて個展を開催し、世界中で紹介されている山口歴など、世界で活躍する日本人作家に焦点をあてた展示を開催します。



2014.9.4 thu - 11.2 sun

デザインの中のにあるアート性にフォーカスし、世界でも評価の高いデザイン・フィールドで活躍する10名の作家をキュレーションした展覧会。
本企画展は、「アート」と「デザイン」の重要性や未来の可能性を考察することをテーマに、
現代の「デザイン」の中にある「アート/芸術性」について考える機会を提供します。
また、会期中には、作品の展示だけでなく、デザイナーや編集者、キュレーターなどによるトークイベントも予定しており、
「アート」と「デザイン」に対する考察をより深いものへと導きます。


curated by
shun kawakami,
artless Inc. www.artless.co.jp



2013.6.5 - 7.31

WALLS TOKYOが厳選した12名の写真家の特集展示。
独自の写真世界を確立し、世界的に活躍する12名の代表作をご紹介します。



2013.2.1 - 3.30

アンディ・ウォーホル展(森美術館)の開催に合わせ、アンディ・ウォーホルを中心にジャスパー・ジョーンズやジム・ダインなど、
ウォーホルと同年代から現代に活躍中のポップアート界の巨匠の作品十数点を合わせて展示。


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DATE:

2021-09-30

News

9月29日(水)と30日(木)は展示設営のため店舗のみ閉廊にしますが、お問い合わせ等は受け付けております。

平丸陽子展 作家在廊日:10月1日(金)、10月2日(土)


*ご来廊の際は、感染防止策としてマスク着用、入り口にて手の消毒をお願いしております。

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